Una parte de un desarrollo espiritual permanente es el compartir y ayudar a todos los que quieran empezar a aprender algo nuevo, abrir un poco más los ojos respecto a la decadencia cultural existente, además de obtener las herramientas suficientes para entender un nuevo lenguaje:la literatura, el cine y la música.
“la esencia de la globalización ha existido a la par del hombre, con otros nombres y características pero siempre vigente, sólo que evolucionando para adaptarse a las nuevas relaciones sociales.”
Led_ Sabbath..
Empezando por una justificación filosófica a la que yo coincido, ya Nietzsche planteaba desde antes de que se lapidara el concepto “globalización”, la idea de la homogenealidad del ser humano, de la sociedad en general; enfatizando la idea principal que justifica todo el texto, esta idea utópica solo se representa como una meta en la cual se debe aproximarse a ella, pero en cambio se ha prostituido y aprovechado de esta idea.
El concepto globalización como toda idea generada para interpretar los fenómenos existentes o ideas universales dentro de las historia de la humanidad; en otras palabras, todo lo humano es imperfecto, y el trabajo del hombre simplemente el acercar cada vez más la idea hacia la realidad. El concepto de hombre es la idea más explícita de la idea anterior, pero la esencia de este emana en todos los seres humanos.
La transición de la mundialización a la globalización inicia con la forma en que se iniciaba la interrelación entre naciones, que en un principio consistía en conflictos bélicos a mayor o menor escala, hasta quegérmenes pre- capitalistas se fueron expandiendo hasta llegar a influir directamente en el núcleo financiero internacional. Este fenómeno se comenzó a expandir como un cáncer que afecta al los más indefensos, sin la incapacidad de evitarlo. Desde el comercio internacional, hasta las finanzas internacionales, y por ultimo en la superestructura vigente, donde ya no existe una verdadera capacidad para decidir o enfrentar este fenómeno, desde la educación hasta el núcleo familiar.
The Rocky Horror Picture Show, dirigida en 1975 por Jim Sharman sobre el musical The Rocky Horror Show, de Richard O'Brien, es una película de culto sobre una pareja que, tras una avería en su coche, se ven obligados a pasar la noche en la mansión del Doctor Frank-N-Furter que celebra la convención de transilvanos con motivo de la creación de su criatura, Rocky Horror, un hombre perfecto cuyo "medio" cerebro pertenece a un delincuente juvenil. La película no tardó en ser objeto de culto y pasar a la historia siendo todavía exhibida en cines donde se montan auténticas fiestas en torno a la película.La historia, narrada por el criminólogo, cuenta cómo Brad Majors y Janet Weiss, después de una propuesta de matrimonio de parte de Brad, van a buscar a su viejo amigo y antiguo profesor, el Dr. Everett V. Scott. En el camino se les avería una rueda del coche por lo que van a pedir ayuda a un castillo que han visto. Allí los recibe su mayordomo Riff Raff. Luego conocen a su hermana Magenta, Columbia y 18 Transilvanos que encuentran bailando el Time Warp (una tradición del planeta Transexual, en la galaxia de Transilvania) para celebrar La Convención Anual Transilvana. Después se presenta el Dr. Frank-N-Furter, un exótico cíentifico loco travesti. Aprovechando la ocasión, les revela a todos su creación, Rocky, un hombre creado para el único fin de tener sexo con él. Mientras celebran el nacimiento de este, sale del descongelador Eddie, al cual Furter ha estado robándole los orgános para dárselos a Rocky. Pensando que podría arruinarle su plan, lo elimina. Cuando llevan a Brad y Janet a sus habitaciones separadas, su anfitrión entra en ellas para hacer el amor con ellos, dejando a la pareja un gran sentimiento de culpabilidad. Janet descubre lo que hizo su novio, y usa a Rocky para vengarse. El Dr. Everett V. Scott entra al castillo, para buscar a su sobrino Eddie. Descubren a Janet durmiendo con Rocky, pero la cena ya está preparada, por lo que van a comer. Después de una persecución Frank convierte en estatuas a todos (exceptuando a Riff Raff y su hermana), para preparar una "obra de teatro", vestidos de transexuales (Furter los vistió en su estado inmóvil), para terminar besándose apasionadamente. La fiesta la interrumpen los críados que, mientras los actores bailaban y cantaban, ellos estuvieron preparándose para volver a Transilvania, con vestuario y armas, que usan para matar a Columbia, Frank y Rocky.
La película comienza con la llegada de todos los actores en un colectivo y la obertura está dedicada a la identificación entre ellos de Jesús, quien emerge de en medio del grupo al tiempo que es investido con una sencilla túnica blanca, mientras extiende sus brazos, creando el centro de la atención al momento en que suenan los acordes que identifican la melodía principal.
En la escena siguiente, Judas hace un análisis crítico de la actitud de la gente hacia Jesús y la forma como su imagen se idealiza, alejándola de lo que él considera son los valores primarios que deberían defenderse, como la ayuda los pobres y necesitados. Judas acusa a los seguidores de Jesús de tener "demasiado Cielo en sus mentes" y teme que sean perseguidos por el gobierno de Roma, al verse amenazados por las afirmaciones de que Jesús es el "hijo de Dios" y "Rey de los Judíos".
Fue una de las películas más controversiales de su época por presentar a los actores como "hippies", por presentar la pasión de Cristo desde el punto de vista de Judas, por presentar a un Jesús más humano y menos Dios y porque es una ópera rock; todos los diálogos son canciones interpretadas por los actores en ese género musical.
Gran Bretaña, el futuro. Alex es un joven hiperagresivo con dos pasiones: la ultraviolencia y Beethoven. Al frente de su banda, los drugos, los jóvenes descargan sus instintos más violentos pegando, violando y aterrorizando a la población.
Una de las mejores adaptaciones literarias al cine, con una dirección genial, irreverente capaz de transformar la conclusión de la historia.
Durante la Segunda Guerra Mundial el joven Alyosha, un soldado de apenas 19 años, gana una medalla como recompensa por su heroísmo en el frente de batalla. En lugar de la condecoración Alyosha pide unos días libres para poder visitar a su madre. De camino a casa, en el tren conocerá a una chica de la que se enamora perdidamente.
Jake la Motta es un joven boxeador que se entrena duramente, ayudado por su hermano y manager Joey, para convertirse en el número uno de los pesos medios. Pero sus complejos psicológicos y sexuales le llevan a manifestar su agresividad tanto dentro como fuera del ring. En medio de esta tormenta interior se encuentra su hermano, convertido en víctima de la enfermiza paranoia y los celos de Jake. Pronto consigue ver hecho realidad tan ansiado sueño, pero el triunfo y el éxito convierten su vida en una pesadilla. Por un lado, su matrimonio cada vez marcha peor debido a sus salidas nocturnas con otras mujeres; por otro, la mafia le presiona para que amañe combates.
Adaptación de la novela homónima de Gabriel García Márquez que narra un hecho real sucedido en el país natal del escritor cuando él era apenas un niño. Se trata de un crimen, un asesinato que acaba con la vida de un hombre llamado Santiago Nasar a manos de los hermanos Vicario, que pretenden con esta acción devolver la honra a su hermana, Ángela Vicario, por el desagravio que supone para la familia el supuesto romance entre Santiago y Ángela.
Jesús, decide atender la constante llamada de Dios. Pero cuando está a punto de completar su misión, debe hacer frente a la mayor tentación de todas y realizar un sacrificio para salvar a todos los hombres.
Tres amigos, amantes de la caza y que trabajan como obreros en una fábrica de fundición de acero de Pennsylvania, pasan juntos sus últimos momentos antes de ir a luchar como voluntarios en la guerra de Vietnam.
Una cruda crítica hacia la guerra y sus repercuciones sociales.
Basada en hechos reales, narra la terrible experiencia de un americano encarcelado en una prisión turca por tráfico de drogas. Guión de Oliver Stone y excelente banda sonora -premiada con el Oscar- para un durísimo drama que obtuvo un gran éxito de taquilla.
Mark Renton es un joven escocés adicto a la heroína, al igual que el resto de sus amigos, los cuales se han creado un mundo muy particular. Entre el grupo hay un violento y alcohólico psicópata, un drogadicto desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico de Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y obsesivo de Iggy Pop.
Luis Buñuel ha sido, sin lugar a dudas, el realizador más importante del cine de habla hispana. Su trayectoria artística -32 películas filmadas en cincuenta años de carrera- es una de las más importantes y prolíficas de la cinematografía mundial. Los olvidados es considerada la película que volvió a colocar a Buñuel en la escena internacional, luego de que su impresionante debut fue seguido por dos décadas de relativa obscuridad.
Los olvidados es, por su temática y por la naturalidad de sus actores, una película engañosamente realista. Filmada durante el apogeo de la corriente neorrealista -que propugnaba por un cine casi documental en el que los actores fuesen gente común y los escenarios fueran reales- Los olvidados fue tomada equivocadamente como una cinta semejante a Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rossellini o Ladrones de bicicletas (1947) de Vittorio de Sica.
Sin embargo, el filme de Buñuel mantiene muchos de los elementos que lo convirtieron en el cineasta surrealista por excelencia. Los olvidados es un filme acerca de la fatalidad del destino. Es una película sobre lo absurdo e irracional de la vida misma. Los deseos ocultos, los sueños y las pasiones son los elementos que mantienen vivos a los personajes del filme.
La cinta de Buñuel es, por otra parte, una de las aportaciones más importantes que ha dado Latinoamérica al cine mundial. Si el cine es considerado un arte, mucho se debe a la obra de genios como Luis Buñuel y a filmes como Los olvidados.
Rumanía, durante los últimos días del comunismo. Otilia y Gabita son estudiantes y comparten habitación en una residencia en Bucarest. Gabita está embarazada. Las jóvenes acuerdan un encuentro con un tal Mr. Bebe en un hotel barato, para que le practique un aborto.
Taketoki Washizu (Toshiro Mifune) y Yoshiaki Miki (Minoru Chiaki) son dos samurais que tras retornar de la guerra se encuentran en un bosque con el espíritu de una bruja que les vaticina que Washizu alcanzará el poder del castillo. Con la incitación de su esposa Asaji (Isuzu Yamada) y la ayuda de su amigo Yoshiaki, Washizu buscará cumplir las predicciones de la anciana, entre las cuales se encuentra el ascenso al poder del hijo de Miki.
Recreación en clave de ficción de la matanza ocurrida en el instituto Columbine por parte de dos adolescentes. Es un bonito día de otoño. Eli, camino de clase, convence a una pareja de rockeros para hacerles unas fotos. Nate termina su entrenamiento de fútbol y queda con su novia Carrie para comer. John deja las llaves del coche de su padre en la conserjería del instituto para que las recoja su hermano. Así, un día cualquiera, los estudiantes de este instituto norteamericano hacen su vida rutinaria: van a clase, se cruzan por los pasillos y conversan, hacen deporte, comen en la cafetería, realizan sus actividades, etc. Pero ese día no será como los demas.
Don Plutarco, su hijo Genaro y su nieto Lucio llevan una doble vida. Por una parte, son humildes músicos rurales y, por otra, apoyan activamente al movimiento guerrillero campesino contra el gobierno opresor. Cuando el ejército invade el pueblo, los rebeldes deben huir y abandonar las municiones. Haciendo valer su apariencia de inofensivo violinista, Don Plutarco tiene un plan: recuperar las municiones escondidas en su maizal. Su música embelesa al capitán, pero falta recoger las municiones.
Moraldo, Riccardo, Leopoldo, Fausto y Alberto son cinco "vitelloni" de la costera ciudad de Rímini, una panda de gandules que pasan sus días en el bar, hablando de pequeñas cosas, de mujeres y de grandiosas expectativas destinadas a frustrarse. Para uno de ellos, sin saberlo, las cosas están por cambiar. En una glamurosa fiesta a principios del verano, mientras Riccardo canta, Fausto se entera de que va a tener un hijo con Sandra, la hermana de Moraldo. Acepta su nueva responsabilidad sin entusiasmo y comienza a trabajar en una tienda de artículos religiosos. En tanto, sus amigos continúan viviendo la ilusión de un tiempo inmóvil, en el cual la vida no empieza nunca. Sobre todo Alberto, el más atolondrado, que vive a expensas de su hermana y se burla de quienes tienen que trabajar para comer. Por el contrario, Moraldo siente que ya no encaja en el provincialismo de su mundo y comienza a apartarse de sus compañeros. Fausto, incapaz de renunciar a sus viejas costumbres, se embarca en una peligrosa relación con la mujer de su jefe. Durante una fiesta de Carnaval a la que asisten todos, Sandra se entera del hecho y huye con su hijo a casa de su suegro. El joven comprende su torpeza y corre a pedirle perdón, pero se encuentra también con su padre que, furibundo, le azota con el cinturón. Al día siguiente la vida recomienza. Mientras la pareja intenta arreglar su situación, los demás vuelven a su cotidianeidad con sus miserias, su abandono y su ingenua despreocupación. Sólo Moraldo, una mañana, parte silenciosamente en un tren, con el pensamiento puesto en la vida y en las personas que deja atrás.
Para poder escapar de un campo de concentración, una mujer desesperada acepta casarse con un pescador de una pequeña isla llamada Stromboli. Pero escapar de una prisión la lleva al final a meterse en otra, y su vida en la isla es también una condena. Bellísima película entre el drama y el documental con inolvidables secuencias y una excelente fotografía, entre ellas la de la pesca del atún que han pasado ya a la historia del cine.
EdWood es un joven director de cine, un visionario sin ninguna formación académica, aficionado a vestirse de mujer y con muy pocas oportunidades de hacer películas en un gran estudio. Sin embargo no ceja en su empeño de convertirse en un director famoso. Tras reunir a un curioso grupo de personajes, realiza películas de bajo presupuesto, excéntricas y no muy cuidadas técnicamente.
Sinceramente no soy un ferviente seguidor de este aclamado director comercial, pero creo que esta película es un buen aporte.
La barranca siempre se ha caracterízado por conceputalizar e inovar en cada disco, la musca entre cada uno es tottalmente diferente, pero contiene la escencia misma de la barranca. Agulera ha sabido trabajar con diferentes artisstas manteniendose cono em único inamobible de la agrupación, pero apesar de eso, esa mixtura de ideas, de sonidos han quecho que este grupo sea siempre frescos, con ideas que inovan, claro como todo gtran grupo con exesos (musicalemte hablando) pero simpre respetando su origen.
Un ex marine insomne que ha retornado de la Guerra de Vietnam llamado Travis Brickle (Robert de Niro) trabaja como taxista nocturno en la ciudad de Nueva York.
Travis, un hombre solitario, inadaptado en su entorno profesional y personal, se enamorará de Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva mujer que colabora en la campaña electoral de un aspirante a gobernador.
Gran guión de Paul Schrader para este sensacional trabajo de Martin Scorsese en el que el pequeño director retrata las preocupaciones vitales de un insomne y solitario taxista nocturno de la ciudad de Nueva York, antiguo veterano de la guerra del Vietnam, incapaz de integrarse en una colectividad que él califica de corrupta y putrefacta.
Desde la perspectiva vaporosa de su taxi, vemos como sus múltiples prejuicios van conformando una personalidad cada vez más tendente hacia el comportamiento violento, una iracundia que le servirá para expulsar muchos de esos traumas obsesivos en una carnicería premeditada desde una repulsiva conciencia.
La sociedad que le ha rechazado y que él mismo intenta limpiar, será la que lo lleve a esa disposición, en una situación catártica que paradójicamente le convertirá finalmente en un héroe.
Bernard Hermann pone música a una sombría y densa fotografía de Michael Chapman y el sabio talento narrativo de Martin Scorsese nos invita a darnos un climático paseo nocturno por el Hades particular de un personaje alienado, Travis Bickle, modelado desde los postulados políticos, económicos y sociales de una comunidad propensa a las meras vacuidades.
Aunque el film pueda contener un engañoso mensaje violento como medio redentor, no es más que un fresco urbano sobre el origen de esa virulencia en la sociedad desde la óptica de un personaje huraño y enfermizo, quizá producto de esa misma sociedad.
L’Age D’or es un filme de 1930. Un clásico surrealista en blanco y negro dirigido por Luis Buñuel y asistido por Salvador Dalí, Max Ernst y otros.
Un genio sin corona, pero eso sí, de este humilde servidor que a cada oportunidad trata de rendir su tributo a un coloso del cine, a uno de los pocos pertenecientes al olimpo cinematográfica que ha sido capaz de romper los cannones, y sobre todo, de adaptarlo hacia todo el que quiera crecer espiritualmente.
Una película bañada de simbolismos, desde la estructura de la película hasta su irreverencia vigente hasta nuestros días.
Una película digna de ver toda la vida, un película que enseña, que crítica y sobre todo que enriquece el alma.
El último largometraje del viejito checoslovac, Jan Svankmajer. al que considero uno de loslmejores directores de cine en la historia. Mejor que echarse un choro sobre este homenaje a Sade y Poe, copio la introducción que dice el mismo Svankmajer al inicio del film:
Señoras y señores, la película que van a ver es una película de terror, con toda la decadencia propia del género. No es una obra de arte. Hoy, el arte está casi muerto, sustituido por el anuncio publicitario del rostro de Narciso reflejado en el espejo del agua.
Puede ser entendida como un homenaje a Poe, del que he tomado diversos motivos, y al Marqués de Sade, al que la película debe la blasfemia y lo que tiene de subversivo. La película propone, en esencia, un debate ideológico sobre la gestión de un manicomio. En principio, hay dos maneras de hacerlo. Ambas son igualmente extremas. Una alienta la libertad absoluta; la otra, el método obsoleto y comprobado de vigilar y castigar. Pero hay un tercer método que combina y resume los peores aspectos de los dos primeros. Es el manicomio en el que todos vivimos hoy.
Este director, el primer mexicano en dirigir una película en Hollywood (The Fool killer, con Anthony Perkins, el mismo actor de Psycho, quien curiosamente ponía a Gonzáles por encima de Alfred Hitchcock como director) realizó en 1966 esta obrita de culto, inspirada en leyendas populares de fantasmas, formada por 4 relatos que tienen como punto de unión un milagroso escapulario.
Con bellas imágenes, ángulos de cámara insólitos para la época y una muy lograda dirección de sonido, sin ser en realidad una película de terror, El escapulario es una pieza onírica de sabor popular que ha quedado en la memoria de varios espectadores....
El cuento El misterio de Islington del galés Arthur Machen (Uno de los creadores del "Horror Naturalista" y gran influencia para escritores como H. P. Lovecraft), fue adaptado al cine por uno de los mayores guionistas de México, Luis Alcoriza (escritor de Los Olvidados, de Luis Buñuel), dirigido por Rogelio A. Gonzáles (Guionista y/o director de muchas de las principales películas de Pedro Infante) y protagonizado por Arturo de Córdoba, quien la hace de un taxidermista mandilón víctima de su coja y puritana esposa.
El resultado es una comedia negra antireligiosa y anticlerical, burla y choteo de un México mocho esclavo de la hipocresía, demasiado parecido al actual....
THE BATTLE OF ALGIERS es una película basada en los hechos que precedieron en la capital de Argelia a la independencia de este país. Fue dirigida por Gillo Pontecorvo, quien participó en la resistencia italiana contra los nazis.
La película nace de un proyecto del primer gobierno independiente de Argelia, dirigido por Ahmed Ben Bella, que fue propuesto a directores italianos de cine social. La primera idea partió del futbolista retirado y antiguo dirigente del FLN, Yacef Saadi. En 1964 el Gobierno de Argelia encargó a Saadi buscar a un director italiano que rodase la que sería la primera película de ficción argelina.
El resultado fue una de las mejores películas sobre colonialismo, terrorismo y movimientos revolucionarios de todos los tiempos. Clásico inmediato, ganó multiples premios de cine en los festivales donde fue mostrada. Aunque está rodada a la manera de un documental, la acción no pierde ritmo en ningún momento de la película.
Esta obra describe con clínica imparcialidad la crueldad que anidaba en todos los bandos y elude las intenciones moralizantes y manipuladoras que a menudo contaminan el arte político.
Película archiprohibida y censurada en su época, perseguida por el tristemente famoso Comité de Investigación de Activades Anti-americanas, es hoy todo un clásico. El director, el productor, el guionista, el compositor y el actor Will Geer estaban, en aquella época, en la "lista negra". Los hechos reales en que se basa son estos: En junio de 1951 una huelga paralizó el trabajo en una mina de zinc de Nuevo México, Estados Unidos. La compañía que la explotaba, llamada Empire, rechazó toda negociación con los mineros y la huelga se prolongó indefinidamente. Los mineros, organizados en un piquete ante la mina para impedir todo acceso de mano de obra esquirola, pedían condiciones más seguras de trabajo y mejoras sanitarias en las viviendas que alojaban a las familias de los mineros latinos, a quienes la compañía trataba considerablemente peor que a los mineros anglos. Empire llegó a obtener una orden judicial para prohibir el piquete de mineros pero alguien advirtió que el documento no decía nada sobre las esposas de los mineros. La propuesta fue entonces integrar los piquetes con mujeres y, aunque encontró cierta resistencia machista por parte de los huelguistas, finalmente fue aceptada. La mayor parte de los personajes fue interpretada por los mismos mineros locales, sus esposas y vecinos de la zona. Entre esos no profesionales destaca Juan Chacón, que presidía el sindicato de mineros desde 1950. Entre los actores profesionales invitados al proyecto, destaca la participación de Rosaura Revueltas, miembro de la que es tal vez la familia más célebre de la cultura mexicana, junto con sus hermanos José Revueltas -escritor-, Silvestre -músico- y Fermín -pintor-... Los franceses Bertrand Tavernier y Jean-Pierre Coursodon en 50 años de cine norteamericano escribieron que "uno tiene mala conciencia criticando La sal de la tierra. (...) Esta película es probablemente una de las únicas obras no criticables de la historia del cine: su mayor mérito es el hecho mismo de su existencia". Hay mucho de verdad en eso, pero, como demuestra una revisión contemporánea del film, es más acertada la opinión de Paul Jarrico: "La sal de la tierra es el único film en que trabajé que ha mejorado con los años, en lugar de empeorar". Una razón por la que esto sucede es el libreto de Michael Wilson, que describe con eficacia una acción colectiva sin diluir la tensión del drama personal.
Esta película, una de mis favoritas, es la obra maestra del danés Benjamín Christensen (Viborg, 1879 - Copenhague, 1959), quien además de dirigir y escribir, actuó haciéndola de Satanás.
Influenciada por el expresionismo alemán, la cinta huye de clasificaciones y mezcla ficción con documental, terror con comedia, fantasía con realismo, en un retrato del lado más sucio y tenebroso de la edad media europea, con sus torturas y ejecuciones de inocentes, y de las antiguas leyendas sobre las brujas.
Clásico indiscutible que influiría en el futuro cine de terror, Häxan es entre otras cosas un desfile de hermosas imágenes. Las secuencias de los aquelarres, desde el vuelo de las brujas hasta sus ceremonias con estrambóticos demonios, están entre las mejores de la historia del cine.
En el complejo residencial de la torre Starliner, un científico experimenta con unos extraños parásitos. El experimento se le descontrola y en un acto desesperado para intentar subsanar el error que ha cometido decide suicidarse después de matar a su conejito de indias: una joven estudiante. Lo que el científico no sabe es que la estudiante ha tenido relaciones con muchos de sus vecinos y ha extendido, así, los parásitos por todo el edificio. Los contagiados se convierten en zombis hambrientos de sexo y van contaminando paulativamente a todo el edificio.
Siglo 300, Año 2293... En la tierra sólo sobreviven dos razas humanas: Los inmortales, la clase privilegiada, viven en un lugar maravilloso del Planeta, no envejecen y han vencido a la muerte. Los otros viven miserablemente, llenos de privaciones, son los supervivientes de un mundo corrompido y desolador y sólo confían en Zardoz, el Dios al que veneran. Zardoz elige a unos cuantos hombres, les entrega armas y les instruye para defender los derechos de su raza. Zed, uno de los exterminadores elegido por Zardoz, provocará un terrible conflicto al querer invadir el Vortex, zona privilegiada de los Inmortales.
La Obra mas maldita de la filmografia Fulciana, estuvo secuestrada durante años, (esta basada en hechos reales y parece ser que a los descendientes no les sento nada bien, aunque no se hasta que punto influirían) y considerada por el propio director como su pelicula mas estimada.Realmente una buena película, pero no se dbería esperar terror, ni zombis ni cosas del mas alla.Es una historia cruel, dramatica, pero con momentos del Fulci mas sórdido y también mas brillante.Buenas actuaciones, destacando al genial Tomas Milán que realmente tiene una facilidad para para cambiar de registros impresionante. Una película tan desconocida como importante del maestro.
Ran es una palabra japonesa que significa caos o desorden. Con el caos sobrevolando los cielos de este drama épico, la película se convierte en una tragedia sobre el poder, sobre la ambición y la estupidez de los hombres que luchan y guerrean. De esta forma, Kurosawa proseguía su tono sombrío y de marcada raíz existencialista en una filmografía tan dilatada como coherente.
"Casi 10 años tardó Akira Kurosawa para poder realizar Ran . En 1975, comenzó a estudiar la época en la que finalmente iba a transcurrir la película, el siglo XVI, y a preparar los bocetos y los dibujos sobre el vestuario y los decorados. No fue hasta 1983 que Kurosawa encontró un productor que le ayudase a llevarla a cabo (si Kagemusha (Idem, 1980), su anterior film, necesitó la ayuda económica de George Lucas y Francis Ford Coppola, Ran tuvo que contar con el muy generoso apoyo de Serge Silberman, habitual colaborador de la última etapa de Luis Buñuel) . El film fue uno de los más caros realizados hasta la fecha fuera del circuito hollywoodense (cerca de 12 millones de dólares). La dirección artística fue mimada de manera especial. Por ejemplo, la réplica del castillo medieval, construido en piedra y madera, que arde hasta los cimientos costó más de un millón de dólares (unos 275 millones de pesetas de aquella época)."
Sobre la época en la que se enmarca el film, Kurosawa explicaba que había sido una etapa más libre, en la que los hombres estaban menos controlados. Si a un samurai no le gustaba su señor, podía abandonarlo. Eso le permitía poder desarrollar los caracteres de sus personajes a su antojo. Además, en el siglo XVI también existía un gran sentimiento estético pues los hombres se preocupaban por la belleza y quería rodearse de objetos hermosos.
"La película está inspirada en la tragedia de Shakespeare El rey Lear a pesar de que nació como una reflexión sobre Motonari Mori, un señor feudal japonés al que la unificación de su país cogió demasiado viejo como para jugar un papel decisivo. La obra del dramaturgo inglés cuenta la guerra fraticida de las tres hijas del rey Lear cuando éste decide dividir su reino entre ellas. Kurosawa cambia en su historia a las tres protagonistas de Shakespeare por tres hombres que traicionan su fidelidad a su padre por causa de las conspiraciones de las mujeres que les rodean. Ran se adentra en la historia del Japón, entre los años 1467 y 1582, cuando los diferentes clanes del país libraban encarnizadas luchas para salvaguardar su poder feudal. Un gran señor, Hidetora Ichimonji (Tatsuya Nakadai), decide ceder su poder al llegar a la vejez. Delante de los principales vasallos reparte los tres castillos de su propiedad entre sus tres hijos: el mayor, Taro; el mediano, Jiro; y el menor, Saburo. Éste último rechaza esta decisión pues cree que sus otros dos hermanos rivalizarán por conseguir el total del poder. Herido en su orgullo, Hidetora le deshereda y le expulsa de su territorio. Mientras, sus hermanos Taro (alentado por su mujer Dama Kaede –personaje inventado por Kurosawa que nos evoca a Asaji, la protagonista femenina de Trono de sangre (Kumunosu djo, 1957)–, que desea vengarse del clan Ichimonji por haber matado a su familia) y Jiro se alían para derrocar a su padre. Hidetora abandonará su casa y vagará medio loco por sus antiguos dominios. A partir de aquí, se suceden las batallas, las intrigas, las rencillas, las muertes."
Akira Kurosawa preparó minuciosamente todos los detalles del film y volvió a demostar su dominio de la planificación y la puesta en escena, dando especial relevancia al uso del color. El maestro japonés quería reproducir los colores del siglo XVI japonés, haciendo hincapié sobre todo en el vestuario. En las batallas, atribuyó un color a cada una de las partes enfrentadas, para no confundir al espectador y otorgando también una cierta simbología con los caracteres que representaban. Como en toda su filmografía, los escenarios y los personajes forman una asociación indisoluble. Así, el hijo mayor utilizaba el color amarillo, un color que no es neto, como su propia personalidad. Las tropas de Saburo, el menor de los hermanos, llevan banderas azules, en un tono que produce calma. Finalmente, el rojo de Jiro clama su vengativa sed de sangre.
El tratamiento de la imagen es cuidadoso no sólo por lo que respecta al vestuario y a los decorados. Cuando la luz natural que Kurosawa quería no era la adecuada, se paraba el rodaje hasta que el realizador consideraba que se lograba la óptima.
"La interpretación de los actores no está relacionada con el teatro clásico japonés. Los movimientos de los personajes están condicionados, no por reglas teatrales, sino por el formalismo y el código de la buena educación del siglo XVI. Este código lo reglamentaba todo: cómo sentarse, cómo moverse, dónde colocar el sable, etc.. En este aspecto, como en tantos otros, Kurosawa fue inflexible. De hecho, la escena en la que la dama Kaede presenta a su cuñado el casco de su marido asesinado exigió varias semanas de preparación porque previamente hubo que enseñar a la actriz cada movimiento, obligarla a poseer un dominio perfecto de cada uno de sus gestos. Especial atención merece el trabajo de Tatsuya Nakadai, en una interpretación tan alucinante como emotiva.
Por otro lado, Ran no traiciona al espectáculo. Probablemente porque su presupuesto no permitía un drama intimista y porque el propio Kurosawa ya había aprendido del precedente que supuso Kagemusha . Así, el director mantiene las expectativas lidiando con una brillante coreografía de masas y colores, especialmente significativa en el asalto del castillo, donde la música fúnebre de Tore Takemitsu es el único acompañamiento (como si se tratara de cine una película muda) de unas imágenes llenas de brutalidad y violencia. Kurosawa juega magistralmente con las formas y los colores. El sentido plástico de estas escenas y el brillante uso del color, también admirable en las secuencias intimistas, acaban por otorgar todo su valor a esta obra maestra. La plástica de Ran es fascinante y roza la perfección. Las secuencias de las batallas no sabemos si nos sorprenden más por su dureza o por la belleza de su composición."
El empaque estético, el rigor de la ambientación, con trajes de colores de la época y ruidos directos de sus movimientos ceremoniales, la pausa intensa e interior del drama y la composición visual de los planos, los suaves travellings laterales que subrayan determinadas acciones, la profundidad de campo... hacen que la historia que se nos cuenta adquiera una singular elegancia. A pesar de las dos horas y media de su metraje, éste no se hace largo ya que la belleza de las situaciones se combinan sin pausa con las acciones de exterior e interior y los diálogos. Tras una escena apabullante, que nos deja agitados en la butaca, llega otra no menos fascinante.
Temas tan, aparentemente, grandes como el poder, la guerra, los sentimientos humanos y sus contradicciones son testimoniados de tal forma por Kurosawa que logran que la espectacularidad de la cinta esté ceñida a las exigencias de aquello que se narra. El espectáculo está al servicio de la historia y no al revés. Sin ir más lejos, Kurosawa se sirve de miles de extras para las escenas de las batallas pero es capaz de desprenderse de ellos para mostrarnos la crudeza de la guerra.
Nota: se tomaron fragmentos de la sinopsis de J.A. Souto pacheco
Durante el primer año de la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa . Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine organiza a un grupo de soldados judíos para tomar brutales y rápidas represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “Los Bastardos”, los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget von Hammersmark , una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine, donde Shosanna espera para vengarse.
El matrimonio de doctores William y Dakota Block descubre que las calles del pueblo se han inundado de habitantes afectados de espantosas erupciones gangrenosas y una mirada sospechosamente vacua en sus ojos. En un hospital está Cherry , una stripper cuya pierna le fue arrancada durante un ataque en la carretera. Wray , su anterior pareja, está a su lado e intenta ayudarla. Puede que Cherry esté en el suelo, pero no ha llegado aún la hora de su último baile. Mientras los afectados se convierten en un ejército de agresores enloquecidos, Cherry y Wray dirigen un espontáneo equipo de guerreros, adentrándose en la noche hacia un destino que dejará millones de afectados, infinidad de muertos y unos cuantos afortunados supervivientes que lucharán por encontrar el último rincón seguro. "Planet terror" forma parte del proyecto "Grindhouse" junto a "Death proof" de Quentin Tarantino.
Jesús, decide atender la constante llamada de Dios. Pero cuando está a punto de completar su misión, debe hacer frente a la mayor tentación de todas y realizar un sacrificio para salvar a todos los hombres.
